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edition 2024
Discover below the new media jury of this edition 2024 !
Art historian, specialist in Italian art of the late sixteenth century. Independent curator for various institutions including the Domaine départemental du Château d’Avignon (in 2011). Successively Curator at the Fondation Cartier pour l’art contemporain, at the Collection Lambert of the Musée d’art contemporain in Avignon, Director of the MIAM, Musée international des arts modeste, in Sète and Director of the Visual Arts Pole in Lauris, Vaucluse.
Thomas Cheneseau has been working with the 2.0 arts community for over fifteen years. In 2011, during the «Futur en Seine» festival in Paris, he made himself known by creating and marketing Marcel Duchamp’s Facebook profile. He was one of the initiators of the project «SuPer Art Modern Museum» in 2011, as well as curator for the Festival des Transnumériques in Brussels in 2012. In 2016, the Ministry of Culture (DRAC Nouvelle-Aquitaine) entrusted him with the artistic direction of the exhibition «Unlike» in Poitiers, and he is associate curator of the Festival acces)s( in 2020. In 2023 he becomes academic director for the art, design, communication and events schools of the GES-Eductive group with the mission of bringing new skills in AI, augmented reality, metaverse and web3.
Xiao Ge is an artist, exhibition curator, and media personality. After 14 years in France, she returned to China in 2009 and currently resides in Beijing.
She approaches art with a human-centered perspective, integrating Eastern and Western cultural outlooks, and presenting a non-dualistic approach and an open vision in her artistic practice.
Xiao Ge has curated numerous international exhibitions, both solo and collective, and has served as a jury member for various art and media awards. In 2014, she joined Phoenix Satellite Television Group as the co-founder of Phoenix Art, serving as editor-in-chief and vice-president. In January 2024, she was appointed as the director of the Phoenix Center.
Alexia Guggémos is a journalist and art critic, specializing in art dissemination strategies on social media. She is the creator of the smile museum, the first virtual museum created in 1996. A digital sociologist, she founded the Observatoire du Web social dans les arts et la culture in 2011. In 2015, he published a survey highlighting France’s delay in using social media as an extension of the traditional contemporary art market.
Daniel Kapelian cultivates his selective creativity to initiate projects at the crossroads of disciplines and transversal forms. He operates a wide international network of resources, collaborators and partners.
Since he started partnering with OMA Space in 2018, he has opened new directions to explore, from craftsmanship to art and technology mixing primitive techniques with digital tools.
In 2019, OMA Space won the Google Art Residency to produce the studio’s first immersive installation at Mobilier National in Paris.
Curator, programmer and producer specializing in visual, digital and sound art that questions the relationships between and within ecologies, technologies and societies, between materiality and digital, in a constantly changing world.
Head of New Media Arts Development at Watermans Arts Centre in London.
Curator at WRO – Media Art Biennale in Wroclaw, where she organizes exhibitions, performances and conferences.
Programmer and head of visual, digital and sound arts at Mains d’Œuvres in Seine-Saint-Denis.
Production Director of the 28th International Symposium of Digital Creation ISEA2023 in Paris.
Vice-President of the Collectif MU at the origin of La Station – Gare des Mines in Paris.
Yvannoé Kruger is an exhibition curator and the director of POUSH. He joined the artistic programming team of Jean de Loisy at the Palais de Tokyo from 2011 to 2015, where he organized numerous performances, festivals, concerts, and installations. He is frequently invited to participate in conferences and juries.
After launching artist workshops at l’Orfèvrerie, he took the helm of POUSH and curated exhibitions both on-site and off-site, including at the Collection Lambert, the Pavillon Vendôme, and the Monnaie de Paris. As the artistic director of Manifesto, he guides the conceptualization of programs and artistic commissions for various projects.
Sophie Lanoë runs ëmisphères, the incubator of cultural projects.
It supports art professionals in their strategy and animates a cultural ecosystem. She transmits her expertise through various conferences and trainings in universities and different institutions.
Author of the «annual guide of the Contemporary Art Awards. An award is priceless!» and «NFT: A GOLD MINE the actors, season 1»
In charge of the art section of Les Inrockuptibles, member of the editorial board of Spike Art Magazine and correspondent for Flash Art International, she is also pursuing a PhD in art and media theory at the University Paris 1 in co-direction with the University Paris 8, devoted to strategies of autonomy in the art of the years 2010. His writings explore the ontological and epistemological transformations brought about by new technologies, as reflected in the mirror that artists tend to present-day.
Dominique Roland studied at the Ecole nationale supérieure des Beaux-Arts. For nearly twenty years, he has been head of the Centre des arts d’Enghien-les-Bains, a stage under the Digital Arts Convention of the Ministry of Culture. Since 2005, he has also directed the Biennale Internationale des arts numériques: Bains numériques.
In 2007, he founded the International Digital Arts Network (RAN), a platform that brings together 34 structures (theatres, museums, festivals, competitiveness cluster, universities, research laboratories).
Brice Roy is a digital artist, technical philosopher and phenomenologist. A (video) game specialist, his work addresses the constitutive and constitutive role of technology within playful experiences. He is currently director of ICAN, the great school of video games, 3D animation, design and web creation
Audio artist and composer whose pieces have been presented in various European countries, Japan, Taiwan and South Korea, Brazil, the United States and Canada. Alain Thibault is currently artistic director of Elektra, a festival dedicated to digital arts, presented annually in Montreal since 1999. He is also director and curator of BIAN, the Biennale internationale d’art numérique, which he founded in 2012. His exhibition Physical/ité was presented at the Musée d’art contemporain de Montréal in May 2014.
Mathieu Vabre is one of the founders and director of Seconde Nature, an association recognized for its pioneering commitment to contemporary artistic creation in the digital age.
Today, co-director of Second Nature and Zinc, and specialist in the relations between contemporary arts and technologies, he is the artistic director of the Biennale CHRONIQUES.
Curator and executive producer, he has worked on numerous international exhibitions and programs
Jérôme VIlleneuve is director of Hexagone and president of the association Arcan (Association ressource pour la création artistique numérique), which organizes several events around the arts, science and digital, such as Negotium or DN[A]. Holder of a PhD in “Engineering of Cognition, Interaction, Learning and Creation”, he is also a researcher in the cell “Digital Arts and Sensory Immersions”.
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Eva L’Hoest (Liège, 1991, Belgique – vit et travaille à Bruxelles ) explore les façons dont toutes les natures d’images mentales, en particulier le souvenir et la réminiscence, trouvent à se re–matérialiser dans une forme technologique. Elle poursuit avant tout l’exploration de la mémoire et de son infime et étrange réalité subsistante. Pièces après pièces, l’artiste s’approprie les technologies de son contemporain pour révéler à la fois leur nature de prothèses d’appréhension du monde et leur potentiel en tant que médium artistique.
Son travail a été récemment présenté à la quinzième Biennale de Lyon, Lyon (France) curaté par le Palais de Tokyo, la Triennale Okayama Art Summit 2019 “IF THE SNAKE” curaté par Pierre Huyghe, Okayama (Japon), « Suspended time, Extended space » Casino Luxembourg (Benelux), « Fluo Noir » (BIP2018, Liege, BE), « WHSS » (Melange, Koln, DE), Mémoires (ADGY Culture Development Co. LtD., Bejing, CH), Trouble Water (Szczecin Museum, Szczecin, PL), « Now Belgium Now» (LLS358, Antwerp, BE), « Chimera : Marcel Berlanger, Djos Janssens et Eva L’Hoest» (Meetfactory, Prague, CZ), « Marres currents #3:Sighseeing » (Maastricht, NL).
Ses films ont été programmés récemment sous la forme d’une performance à la dernière édition du IFFR à Rotterdam, ImagesPassage à Annecy, le MACRo Museum à Rome, les Rencontres Internationales Paris–Berlin en 2018 ainsi que le Visite Film Festival à Anvers.
Mélodie Mousset (*1981, Abu Dhabi, vit à Zurich) utilise son propre corps pour cartographier, indexer et narrer un « soi » qui semble en métamorphose permanente, lui échappant dès qu’elle cherche à en prendre possession. Elle s’intéresse aux processus d’individuation biologiques, techniques, culturels, individuels et collectifs qui forment le corps. Ces questions anthropologiques et philosophiques prennent forme dans des vidéos, sculptures, installations, performances ou de la réalité virtuelle.
Dans le film Intra Aura Mélodie Mousset entreprend une recherche intense et de longue durée pour approfondir cet intérêt pour le corps, son intériorité phsychique et organique. Elle s’approprie des technologies de visualisation médicales (IRM, impression 3D), les met en rapport avec des rites chamaniques des « curanderos » Mazatèques qu’elle rencontre au cours d’un voyage au Mexique et les combine avec un travail plastique et filmographique.
Avec HanaHana, Mélodie Mousset prolonge cet intérêt pour une narration onirique, une curiosité pour la perméabilité des limites corporelles et un détournement artistique des technologies de pointe. En empruntant la forme du jeu interactif et collaboratif, cette œuvre de réalité virtuelle constitue un environnement fantastique immersif. Chacun.e peut générer des formes et laisser des traces de son passage dans ce désert habité par des sculptures archaïques où fleurissent des mains humaines de toutes tailles et couleurs. Les joueuses et joueurs peuvent se téléporter et multiplier leurs corps à l’extérieur d’eux mêmes et, en version connectée, interagir avec des joueurs qui se trouvent à d’autres endroits. L’espace d’exposition devient ainsi un espace partagé, à la frontière de l’intime et du public, virtuel tout autant que réel.
La combinaison de la musique envoûtante avec l’audio interactif, généré en temps réel par les activités et gestes des joueuses et des joueurs, est également une composante essentielle de cet environnement multi-sensoriel. Dernièrement, Mélodie Mousset fouille particulièrement l’aspect interactif et musical de la réalité virtuelle et cherche à développer un nouveau langage de programmation et d’expérience musicale.
La pratique de Mélodie Mousset s’inscrit profondément dans l’expérience d’un monde contemporain déroutant, défini par ce contraste entre le numérique et le corporel. Avec ses œuvres nous sommes amenés à nous questionner comment se positionnent, dans cet environnement de plus en plus dirigé par les technologies numériques, les corps humains physiques, réels, opaques, vivants, remplis d’organes, porteurs d’une intériorité mentale et psychique, avec des recoins riches d’imagination. Comme le dit l’écrivain et vidéaste américaine Chris Kraus : « Mousset’s associative process is so rich. She fully believes in her own imagination and the logical or alogical digressions that shape an inner life. » (424 mots)
– Claire Hoffmann
Justine Emard (née en 1987) explore les nouvelles relations qui s’instaurent entre nos existences et la technologie.En associant les différents médiums de l’image – photographie, vidéo, réalité virtuelle et performance -, elle situe son travail dans un flux entre la robotique, les neurosciences, la vie organique et
l’intelligence artificielle.
De la création d’un dialogue entre un robot androïde et une psychologue (Erika, film de recherche,2016), à la matérialisation de rêves en impressions 3D (Dance Me Deep, 2020), en passant par une performance avec un moine bouddhiste (Heavy Requiem, 2019), ses œuvres tissent de nouveaux récits, issus d’interactions humains-machines et de l’incarnation de données. Dans Co(AI)xistence (2017), elle met en scène une première rencontre entre deux formes de vies différentes : un danseur/acteur, Mirai Moriyama, et le robot Alter, animé par une forme de vie primitive basée sur un système neuronal, une intelligence artificielle (IA) programmée par le laboratoire de Takashi Ikegami (Université de Tokyo), dont l’incarnation humanoïde a été créée par le laboratoire de Hiroshi Ishiguro (Université d’Osaka).
Grâce à un système d’apprentissage profond, l’IA apprend de l’humain, comme l’humain apprend de la machine, pour tenter de définir de nouvelles perspectives de coexistence. Une esquisse des possibilités du futur apparaît dans Soul Shift (2019) et Symbiotic Rituals (2019), lorsque différentes générations de robots commencent à se reconnaître. Leur apparence minimale autorise une projection émotionnelle, en ouvrant un espace pour l’imagination. Le Japon, que l’artiste a découvert en 2012 et où elle continue de se rendre régulièrement, a sensiblement marqué son travail. Au cours de ses multiples séjours, elle a exploré les connexions entre sa pratique des nouveaux médias et la philosophie japonaise ; en particulier le shintoïsme, qui confère un caractère sacré à la nature. Cette pensée animiste, encore vivace à l’époque des technologies connectées, affleure dans Exovisions (2017), une installation composée de pierres, de bois pétrifiés, d’argile prise dans la roche et d’une application de réalité augmentée. Depuis 2016, elle élabore sa série photographique La Naissance des Robots (2016-2020), dans la perspective anthropologique de l’évolution humaine, entre archéologie du futur et robotique androïde. Depuis 2011, elle montre son travail lors d’expositions personnelles en France, Corée du Sud, Japon, Canada, Colombie, Suède et Italie. Elle participe également à des expositions collectives : 7ème Biennale internationale d’Art Contemporain de Moscou, NRW Forum (Düsseldorf), National Museum of Singapore (Singapour), Moscow Museum of Modern Art (Moscou), Institut Itaú Cultural (São Paulo), Cinémathèque Québécoise (Montréal), Irish Museum of Modern Art (Dublin), Mori Art Museum (Tokyo), Barbican Center (Londres).
