édition 2022
Discover below the curators of this edition 2022 !
invité d’honneur
Maurice Benayoun is a French digital artist, curator and theorist. He lives and works in Paris and Hong Kong.
He also co-founded Z-A in 1987, a laboratory company that played a pioneering role for 15 years in the field of new media, computer-generated images, virtual reality and interactive museography.
The works of Maurice Benayoun have been widely rewarded in international events and exhibited in major international museums.
Founding president of the Cube, a digital creation centre opened in 2001.
He leads the organization of ISEA 2023, a major event on the international digital arts scene with 60 participating countries. He leads the seminar «Digital creativity and new imaginaries» at Sciences-Po and Institut Mines-Télécom. He hosts Les Rendez-vous du Futur: more than 160 programs dedicated to transformation issues around experts, artists, researchers, philosophers or entrepreneurs.
He is one of the «100 personalities constituting the Relève» selected by Les Echos in 2016. He received the 2018 Grand Prize of the “Forum Changer d’Ère” at the Cité des Sciences et de l’Industrie. He is Chevalier des Arts et des Lettres.
Everything went very fast with the NFT (for non-fungible token, «non-fungible token»), these digital tokens representing an image or a video, secured by code on the blockchain and that are traded in cryptocurrencies.
Before the explosion of the phenomenon in 2020, at the time of the lockdown, and the bubbling structuring of the market, crypto art was a small world of pioneers with its artists and collectors. Benoît Couty was one of those and, visionary, he created, in 2018, the Museum of Crypto Art (MoCA) in metaverse, 3D and interactive universe of the Internet.
Jean-Jacques Gay is the director of the festival accès)s( cultures électroniques (64).
Curator, producer, journalist, member of AICA and the CITU team of Laboratoire Paragraphe/Paris 8. Exhibition director, JJ Gay accompanies artists and exhibitions who question emerging electro-digital tools and thus collaborates with various institutions, endowment funds and international publications such as Artension, Optical Sound, Le Fresnoy, ADAGP, eTopia, HKcityU.
Daniel Kapelian cultivates his electeic creativity to initiate projects at the intersection of disciplines and transversal forms.
It operates a broad international network of resources, collaborators and partners.
Since he started partnering with OMA Space in 2018, he has opened new directions to explore, from craft to art and technology mixing primitive techniques with digital tools.
In 2019, OMA Space won the Google Art Residency to produce the studio’s first immersive installation at Mobilier National in Paris.
Daniel has developed the sound and video production of OMA through multiple collaborative projects.
Maria Grazia Mattei, journalist, art critic and digital evangelist, has been studying digital culture since 1982. In 1995, she founded Mattei Digital Communication, a new media research center.In 2005, she launched Meet the Media Guru (MtMG), a platform to promote digital innovation. MtMG invited more than 100 thought leaders to Italy, including Zygmunt Bauman, Edgar Morin, Manuel Castells and many others. In 2018, with the support of the Fondazione Cariplo, she created MEET, the first Italian centre for digital culture. MEET organizes meetings, exhibitions and workshops with a humanistic perspective on digital innovation. In autumn 2019, MEET opens its building in the heart of Milan.
Dominique Moulon is an independent curator, art critic and teacher.
He holds a PhD in Arts and Art Sciences and is a member of the Association française des commissaires d’exposition (CEA), the International Association of Art Critics (AICA) and the Observatoire des mondes numériques en sciences humaines. (OMNSH).
After several years of experience in an advertising agency, Takuya Nomura, a graduate of the University of Osaka, decides to create her own company, SUPERSTATION, Inc.
It has planned and produced various projects for the promotion of the creative sector such as demonstration experiments through a high-speed network in collaboration with universities and industries, an image product competition, «ISCA», for young creators from colleges and universities and a creative business twinning fair, ‘Osaka Sozo Torihikisho’.
In 2009, he began working as a general producer of Knowledge Capital, the main business centre of the Grand Front Osaka before the official opening of Knowledge Capital. He worked mainly on the planning of concepts and overall business vision and strategies, and on the promotion of corporate participation for joint business and development.
He is an executive member of the Kansai Association of Corporate Executives and Vice-Chair of the KACE Arts Council. He is also a member of the West Osaka Rotary Club.
ORLAN is an international artist who expresses herself through sculpture, painting, photography and video, as well as installations, performances, biotechnologies and body art. A feminist at heart, ORLAN has been fighting against the violence inflicted on women’s bodies and the stereotypes in which society confines them since the 1960s. From 1990 to 1993, the artist took her provocation a step further, using her body as a medium for experimentation and artistic expression. Recognised for her contribution to contemporary art and feminism. She received the Grand Prix de l’e-Réputation 2013, organised by Alexia Guggémos in the visual arts category, which rewards the most popular personalities on the internet, before the Grand Prix International de l’Excellence Féminine in 2017. 2017.
At the Windsor, art is our signature: a collection of rooms and permanent installations, temporary exhibitions, headquarters of the OVNi association that values video art and contemporary art. OVNi, Objectif Video Nice, a festival that brings together hoteliers and contemporary art structures in the city, Camera Camera the salon of video art and contemporary art at the Windsor hotel.
Temporary exhibitions and 33 rooms of artists, recognized in the world of contemporary art. And also, the room of birds, the moon of Mauro Benetti that is reflected in the pool.
Mathieu Vabre is one of the founders and director of Seconde Nature, an association recognized for its pioneering commitment to contemporary artistic creation in the digital age.
Today, he is co-director of Seconde Nature et Zinc and a specialist in the relationship between contemporary arts and technology.
Curator and associate producer, he has worked on many international exhibitions and programmes. He also accompanies artists in the creation of works, installations or shows such as Etienne Rey, Nicolas Clauss, Félicie d’Estienne d’Orves, Julien Clauss, and animates and coordinates a production platform alongside twenty local and international venues and structures that support fifteen projects per year.
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Eva L’Hoest (Liège, 1991, Belgique – vit et travaille à Bruxelles ) explore les façons dont toutes les natures d’images mentales, en particulier le souvenir et la réminiscence, trouvent à se re–matérialiser dans une forme technologique. Elle poursuit avant tout l’exploration de la mémoire et de son infime et étrange réalité subsistante. Pièces après pièces, l’artiste s’approprie les technologies de son contemporain pour révéler à la fois leur nature de prothèses d’appréhension du monde et leur potentiel en tant que médium artistique.
Son travail a été récemment présenté à la quinzième Biennale de Lyon, Lyon (France) curaté par le Palais de Tokyo, la Triennale Okayama Art Summit 2019 “IF THE SNAKE” curaté par Pierre Huyghe, Okayama (Japon), « Suspended time, Extended space » Casino Luxembourg (Benelux), « Fluo Noir » (BIP2018, Liege, BE), « WHSS » (Melange, Koln, DE), Mémoires (ADGY Culture Development Co. LtD., Bejing, CH), Trouble Water (Szczecin Museum, Szczecin, PL), « Now Belgium Now» (LLS358, Antwerp, BE), « Chimera : Marcel Berlanger, Djos Janssens et Eva L’Hoest» (Meetfactory, Prague, CZ), « Marres currents #3:Sighseeing » (Maastricht, NL).
Ses films ont été programmés récemment sous la forme d’une performance à la dernière édition du IFFR à Rotterdam, ImagesPassage à Annecy, le MACRo Museum à Rome, les Rencontres Internationales Paris–Berlin en 2018 ainsi que le Visite Film Festival à Anvers.
Mélodie Mousset (*1981, Abu Dhabi, vit à Zurich) utilise son propre corps pour cartographier, indexer et narrer un « soi » qui semble en métamorphose permanente, lui échappant dès qu’elle cherche à en prendre possession. Elle s’intéresse aux processus d’individuation biologiques, techniques, culturels, individuels et collectifs qui forment le corps. Ces questions anthropologiques et philosophiques prennent forme dans des vidéos, sculptures, installations, performances ou de la réalité virtuelle.
Dans le film Intra Aura Mélodie Mousset entreprend une recherche intense et de longue durée pour approfondir cet intérêt pour le corps, son intériorité phsychique et organique. Elle s’approprie des technologies de visualisation médicales (IRM, impression 3D), les met en rapport avec des rites chamaniques des « curanderos » Mazatèques qu’elle rencontre au cours d’un voyage au Mexique et les combine avec un travail plastique et filmographique.
Avec HanaHana, Mélodie Mousset prolonge cet intérêt pour une narration onirique, une curiosité pour la perméabilité des limites corporelles et un détournement artistique des technologies de pointe. En empruntant la forme du jeu interactif et collaboratif, cette œuvre de réalité virtuelle constitue un environnement fantastique immersif. Chacun.e peut générer des formes et laisser des traces de son passage dans ce désert habité par des sculptures archaïques où fleurissent des mains humaines de toutes tailles et couleurs. Les joueuses et joueurs peuvent se téléporter et multiplier leurs corps à l’extérieur d’eux mêmes et, en version connectée, interagir avec des joueurs qui se trouvent à d’autres endroits. L’espace d’exposition devient ainsi un espace partagé, à la frontière de l’intime et du public, virtuel tout autant que réel.
La combinaison de la musique envoûtante avec l’audio interactif, généré en temps réel par les activités et gestes des joueuses et des joueurs, est également une composante essentielle de cet environnement multi-sensoriel. Dernièrement, Mélodie Mousset fouille particulièrement l’aspect interactif et musical de la réalité virtuelle et cherche à développer un nouveau langage de programmation et d’expérience musicale.
La pratique de Mélodie Mousset s’inscrit profondément dans l’expérience d’un monde contemporain déroutant, défini par ce contraste entre le numérique et le corporel. Avec ses œuvres nous sommes amenés à nous questionner comment se positionnent, dans cet environnement de plus en plus dirigé par les technologies numériques, les corps humains physiques, réels, opaques, vivants, remplis d’organes, porteurs d’une intériorité mentale et psychique, avec des recoins riches d’imagination. Comme le dit l’écrivain et vidéaste américaine Chris Kraus : « Mousset’s associative process is so rich. She fully believes in her own imagination and the logical or alogical digressions that shape an inner life. » (424 mots)
– Claire Hoffmann
Justine Emard (née en 1987) explore les nouvelles relations qui s’instaurent entre nos existences et la technologie.En associant les différents médiums de l’image – photographie, vidéo, réalité virtuelle et performance -, elle situe son travail dans un flux entre la robotique, les neurosciences, la vie organique et
l’intelligence artificielle.
De la création d’un dialogue entre un robot androïde et une psychologue (Erika, film de recherche,2016), à la matérialisation de rêves en impressions 3D (Dance Me Deep, 2020), en passant par une performance avec un moine bouddhiste (Heavy Requiem, 2019), ses œuvres tissent de nouveaux récits, issus d’interactions humains-machines et de l’incarnation de données. Dans Co(AI)xistence (2017), elle met en scène une première rencontre entre deux formes de vies différentes : un danseur/acteur, Mirai Moriyama, et le robot Alter, animé par une forme de vie primitive basée sur un système neuronal, une intelligence artificielle (IA) programmée par le laboratoire de Takashi Ikegami (Université de Tokyo), dont l’incarnation humanoïde a été créée par le laboratoire de Hiroshi Ishiguro (Université d’Osaka).
Grâce à un système d’apprentissage profond, l’IA apprend de l’humain, comme l’humain apprend de la machine, pour tenter de définir de nouvelles perspectives de coexistence. Une esquisse des possibilités du futur apparaît dans Soul Shift (2019) et Symbiotic Rituals (2019), lorsque différentes générations de robots commencent à se reconnaître. Leur apparence minimale autorise une projection émotionnelle, en ouvrant un espace pour l’imagination. Le Japon, que l’artiste a découvert en 2012 et où elle continue de se rendre régulièrement, a sensiblement marqué son travail. Au cours de ses multiples séjours, elle a exploré les connexions entre sa pratique des nouveaux médias et la philosophie japonaise ; en particulier le shintoïsme, qui confère un caractère sacré à la nature. Cette pensée animiste, encore vivace à l’époque des technologies connectées, affleure dans Exovisions (2017), une installation composée de pierres, de bois pétrifiés, d’argile prise dans la roche et d’une application de réalité augmentée. Depuis 2016, elle élabore sa série photographique La Naissance des Robots (2016-2020), dans la perspective anthropologique de l’évolution humaine, entre archéologie du futur et robotique androïde. Depuis 2011, elle montre son travail lors d’expositions personnelles en France, Corée du Sud, Japon, Canada, Colombie, Suède et Italie. Elle participe également à des expositions collectives : 7ème Biennale internationale d’Art Contemporain de Moscou, NRW Forum (Düsseldorf), National Museum of Singapore (Singapour), Moscow Museum of Modern Art (Moscou), Institut Itaú Cultural (São Paulo), Cinémathèque Québécoise (Montréal), Irish Museum of Modern Art (Dublin), Mori Art Museum (Tokyo), Barbican Center (Londres).