Soundmorphosis
about
Paolo Scoppola’s art consists of large interactive spaces whose images and sounds are generated by complex digital systems that analyze people’s movements and create content based on their gestures. In many cases, content is generated by the ordinary visitors to an exhibition environment; in others, it is the performance of a musician, dancer or actor that translates gestures into content. In other cases, the installation consists of music, photographs, films and other pre-existing materials that are modified moment by moment by the gestures of the human body. The common element of all these forms of creativity is indeterminacy.
The work is no longer a film or a melody, but the unique and irreplaceable experience of playing with content physically linked to the movements of one’s own body. In this sense, we can refer to installations that become performances and vice versa. No one, in fact, goes unnoticed in the interactive space created by the artist: each gesture instantly creates content. In contrast, an artist in an interactive space is no longer just a person, but through the images and sounds that he generates, he amplifies his presence and becomes a living installation.
Paolo Scoppola therefore redefines the concepts of image and sound, introducing them into the cognitive process, creating a continuous whirl where perceptual stimuli are modified by the same subject who receives them. There is no longer a separation between the outer world and the inner world; the only element that remains motionless in this endless dance is the human spirit and the meanings it gives to what surrounds it.
Another fundamental element in the artist’s work is the development of tools to create the work itself. Paolo Scoppola, in fact, creates the entire software for his installations by writing the code line by line, as if in a kind of open score, where the artist defines the rules of the game, but leaves it to others to conclude the melody.
The indeterminacy of his works is in fact the consequence of this approach.
From the deepest technical aspects the artist constantly emerges to put the human being always in front of technology. The computer is only a means, albeit complex. The desire remains that of 20th century artists: to discover new languages to discover new dimensions of the human being, to tell the contemporary through the sensitivity of the artist. In his installations, in his performances, indeed, there is always a strong desire to enter the sphere of emotions and bring out the fragility of the human being.
CV
Multidisciplinary artist, computer science graduate and lecturer in interaction design at the Quasar Institute of Advanced Design in Rome, Paolo Scoppola creates installations, musical, dance and theatre performances, in which the human body, Images and sounds interact to create new expressive languages. Born in Rome in 1971, he began his career in 1998 developing virtual reality applications for Italian companies while producing photo reports and soundtracks for documentaries and television spots. Then, in 2008, the move to interactive video installations with participation in the Festival Spoleto. It is the beginning of a journey that has led him to exhibitions in Italy and abroad.
He has collaborated with research centres and scientific institutions of international level, including the National Institute for Nuclear Physics, the Museum of Sciences in Trento, the BRAIN centre for neuroscience in Trieste, Kaust University in Saudi Arabia and the Art Science Museum in Singapore. He has participated in several advertising campaigns for international brands such as Gore-Tex, Barilla, Lines and Telecom. In 2016, he won the Outdoor Industry Awards for the installation Meteomorphosis, created with the agency Pescerosso for Goretex Europa. He has also done installations for projects on global issues, such as “On the Glacier Trails” on climate change (Fabiano Ventura and Enel Green Power) and “Reducing” food waste (Ministry of the Environment).
From 2017, he performs with maestro Danilo Rea in a series of concerts for acoustic piano and interactive images, leading to the creation of the interactive musical show «Soundmorphosis» first presented in 2021 at the MEET Digital Culture Center in Milan, which is currently touring. In 2018 he began collaborating with choreographers Sarah Taylor and later Valentina Moar, with whom he created «Living Shapes» in 2020, an interactive dance show presented in Graz during the La Strada 2020 Festival. From 2018 he started lecturing at the Quasar Institute for Advanced Design becoming coordinator in 2019. In 2021 and 2022, he collaborated with Boston University to conduct workshops in graphic design and theatre classes and to release an interactive version of Eugène Ionesco’s play “Le roi meurt” In collaboration with director Clay Hopper on May 4, 2022. Finally, in 2022, he made his first video mapping, projected on the surface of the Kloe particle detector in collaboration with the Institut National de Physique Nucléaire.
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Eva L’Hoest (Liège, 1991, Belgique – vit et travaille à Bruxelles ) explore les façons dont toutes les natures d’images mentales, en particulier le souvenir et la réminiscence, trouvent à se re–matérialiser dans une forme technologique. Elle poursuit avant tout l’exploration de la mémoire et de son infime et étrange réalité subsistante. Pièces après pièces, l’artiste s’approprie les technologies de son contemporain pour révéler à la fois leur nature de prothèses d’appréhension du monde et leur potentiel en tant que médium artistique.
Son travail a été récemment présenté à la quinzième Biennale de Lyon, Lyon (France) curaté par le Palais de Tokyo, la Triennale Okayama Art Summit 2019 “IF THE SNAKE” curaté par Pierre Huyghe, Okayama (Japon), « Suspended time, Extended space » Casino Luxembourg (Benelux), « Fluo Noir » (BIP2018, Liege, BE), « WHSS » (Melange, Koln, DE), Mémoires (ADGY Culture Development Co. LtD., Bejing, CH), Trouble Water (Szczecin Museum, Szczecin, PL), « Now Belgium Now» (LLS358, Antwerp, BE), « Chimera : Marcel Berlanger, Djos Janssens et Eva L’Hoest» (Meetfactory, Prague, CZ), « Marres currents #3:Sighseeing » (Maastricht, NL).
Ses films ont été programmés récemment sous la forme d’une performance à la dernière édition du IFFR à Rotterdam, ImagesPassage à Annecy, le MACRo Museum à Rome, les Rencontres Internationales Paris–Berlin en 2018 ainsi que le Visite Film Festival à Anvers.
Mélodie Mousset (*1981, Abu Dhabi, vit à Zurich) utilise son propre corps pour cartographier, indexer et narrer un « soi » qui semble en métamorphose permanente, lui échappant dès qu’elle cherche à en prendre possession. Elle s’intéresse aux processus d’individuation biologiques, techniques, culturels, individuels et collectifs qui forment le corps. Ces questions anthropologiques et philosophiques prennent forme dans des vidéos, sculptures, installations, performances ou de la réalité virtuelle.
Dans le film Intra Aura Mélodie Mousset entreprend une recherche intense et de longue durée pour approfondir cet intérêt pour le corps, son intériorité phsychique et organique. Elle s’approprie des technologies de visualisation médicales (IRM, impression 3D), les met en rapport avec des rites chamaniques des « curanderos » Mazatèques qu’elle rencontre au cours d’un voyage au Mexique et les combine avec un travail plastique et filmographique.
Avec HanaHana, Mélodie Mousset prolonge cet intérêt pour une narration onirique, une curiosité pour la perméabilité des limites corporelles et un détournement artistique des technologies de pointe. En empruntant la forme du jeu interactif et collaboratif, cette œuvre de réalité virtuelle constitue un environnement fantastique immersif. Chacun.e peut générer des formes et laisser des traces de son passage dans ce désert habité par des sculptures archaïques où fleurissent des mains humaines de toutes tailles et couleurs. Les joueuses et joueurs peuvent se téléporter et multiplier leurs corps à l’extérieur d’eux mêmes et, en version connectée, interagir avec des joueurs qui se trouvent à d’autres endroits. L’espace d’exposition devient ainsi un espace partagé, à la frontière de l’intime et du public, virtuel tout autant que réel.
La combinaison de la musique envoûtante avec l’audio interactif, généré en temps réel par les activités et gestes des joueuses et des joueurs, est également une composante essentielle de cet environnement multi-sensoriel. Dernièrement, Mélodie Mousset fouille particulièrement l’aspect interactif et musical de la réalité virtuelle et cherche à développer un nouveau langage de programmation et d’expérience musicale.
La pratique de Mélodie Mousset s’inscrit profondément dans l’expérience d’un monde contemporain déroutant, défini par ce contraste entre le numérique et le corporel. Avec ses œuvres nous sommes amenés à nous questionner comment se positionnent, dans cet environnement de plus en plus dirigé par les technologies numériques, les corps humains physiques, réels, opaques, vivants, remplis d’organes, porteurs d’une intériorité mentale et psychique, avec des recoins riches d’imagination. Comme le dit l’écrivain et vidéaste américaine Chris Kraus : « Mousset’s associative process is so rich. She fully believes in her own imagination and the logical or alogical digressions that shape an inner life. » (424 mots)
– Claire Hoffmann
Justine Emard (née en 1987) explore les nouvelles relations qui s’instaurent entre nos existences et la technologie.En associant les différents médiums de l’image – photographie, vidéo, réalité virtuelle et performance -, elle situe son travail dans un flux entre la robotique, les neurosciences, la vie organique et
l’intelligence artificielle.
De la création d’un dialogue entre un robot androïde et une psychologue (Erika, film de recherche,2016), à la matérialisation de rêves en impressions 3D (Dance Me Deep, 2020), en passant par une performance avec un moine bouddhiste (Heavy Requiem, 2019), ses œuvres tissent de nouveaux récits, issus d’interactions humains-machines et de l’incarnation de données. Dans Co(AI)xistence (2017), elle met en scène une première rencontre entre deux formes de vies différentes : un danseur/acteur, Mirai Moriyama, et le robot Alter, animé par une forme de vie primitive basée sur un système neuronal, une intelligence artificielle (IA) programmée par le laboratoire de Takashi Ikegami (Université de Tokyo), dont l’incarnation humanoïde a été créée par le laboratoire de Hiroshi Ishiguro (Université d’Osaka).
Grâce à un système d’apprentissage profond, l’IA apprend de l’humain, comme l’humain apprend de la machine, pour tenter de définir de nouvelles perspectives de coexistence. Une esquisse des possibilités du futur apparaît dans Soul Shift (2019) et Symbiotic Rituals (2019), lorsque différentes générations de robots commencent à se reconnaître. Leur apparence minimale autorise une projection émotionnelle, en ouvrant un espace pour l’imagination. Le Japon, que l’artiste a découvert en 2012 et où elle continue de se rendre régulièrement, a sensiblement marqué son travail. Au cours de ses multiples séjours, elle a exploré les connexions entre sa pratique des nouveaux médias et la philosophie japonaise ; en particulier le shintoïsme, qui confère un caractère sacré à la nature. Cette pensée animiste, encore vivace à l’époque des technologies connectées, affleure dans Exovisions (2017), une installation composée de pierres, de bois pétrifiés, d’argile prise dans la roche et d’une application de réalité augmentée. Depuis 2016, elle élabore sa série photographique La Naissance des Robots (2016-2020), dans la perspective anthropologique de l’évolution humaine, entre archéologie du futur et robotique androïde. Depuis 2011, elle montre son travail lors d’expositions personnelles en France, Corée du Sud, Japon, Canada, Colombie, Suède et Italie. Elle participe également à des expositions collectives : 7ème Biennale internationale d’Art Contemporain de Moscou, NRW Forum (Düsseldorf), National Museum of Singapore (Singapour), Moscow Museum of Modern Art (Moscou), Institut Itaú Cultural (São Paulo), Cinémathèque Québécoise (Montréal), Irish Museum of Modern Art (Dublin), Mori Art Museum (Tokyo), Barbican Center (Londres).